Продолжаем разбирать известные визуальные стили и рассматривать, как их можно применять в дизайне сегодня. Не гонитесь за трендами, попробуйте обратиться к прошлому, чтобы найти вдохновение и создать по-настоящему уникальный и запоминающийся дизайн.
Первая часть статьи здесь. В ней мы уже рассмотрели такие стили, как ар-нуво, ар-деко и баухаус.
Продолжаем разбирать известные визуальные стили и рассматривать, как их можно применять в дизайне сегодня. Не гонитесь за трендами, попробуйте обратиться к прошлому, чтобы найти вдохновение и создать по-настоящему уникальный и запоминающийся дизайн.
Брутализм (1950-е)
Что такое брутализм
Брутализм — архитектурный стиль, возникший в 1950-х годах. Для него характерно использование грубых, необработанных материалов. Особое внимание в нем уделяется функциональности и практичности.
Как развивался этот стиль
Брутализм — строгий, модернистский язык дизайна, который зародился в Великобритании как ответ на вызовы послевоенного времени и активно использовался для восстановления страны. Широко распространен в странах бывшего соцлагеря.
Что отличает его от других
Основные черты брутализма в архитектуре — демонстрация материалов, из которых построено здание (кирпичи, видимые строительные блоки, цемент, деревянные рейки, металл и т.д.) и отсутствие декоративных деталей.
Такой подход сильно контрастирует с другими художественными направлениями (ар-деко, ар-нуво, барокко и т.д.), где важна внешняя отделка, которая придает постройкам законченный вид.
Как его можно использовать
В дизайне интерфейсов брутализм может быть выражен следующим образом:
- Жесткие линии
- Смелые цвета
- Акцент на функциональности, разделение дизайна на основные элементы
- Контрасты и асимметрия
Брутализм (и необрутализм) как визуальный стиль отличается функциональностью и прямолинейностью, но в то же время может выглядеть забавно и непринужденно. Обратите на него внимание, если ваш бренд придерживается схожих ценностей.
В чем разница между брутализмом и необрутализмом
Необрутализм — более поздний стиль, появившийся в 2010-х. Мне нравится думать о нем как о более красочном брате брутализма. Это новая интерпретация брутализма, которая использует его грубую эстетику для создания ярких привлекательных дизайнов.
Выдающиеся представители:
Поп-арт (1950-е)
Что такое поп-арт
Поп-арт — художественное направление, возникшее в 1950-х годах. Для него характерно использование образов популярной культуры, ярких цветов, игривый и дерзкий подход. Поп-арт стал ответом на господствовавший в то время абстрактный экспрессионизм — сложное для восприятия беспредметное искусство.
Как развивался этот стиль
В США поп-арт ознаменовал возврат к контрастным композициям без оттенков (так называемый «колор блокинг»). Чтобы противостоять символизму и беспорядочности абстрактного экспрессионизма, художники использовали обыденные образы, иронию и пародию. В Великобритании же поп-арт был более академичным и представлял собой взгляд со стороны на американскую популярную культуру.
Что отличает его от других
Поп-арт часто заимствует образы из рекламы. Важное место в таких работах занимают логотипы и этикетки продуктов, вспомните банки с супом Кэмпбелл Энди Уорхола. Другими источниками вдохновения, помимо рекламы, являются комиксы и киноафиши.
В целом поп-арт объединяет популярную массовую культуру с изобразительным искусством, привнося в эту смесь юмор, иронию и узнаваемые образы.
Как его можно использовать
Вот некоторые характеристики поп-арта, которые можно воспроизвести в веб-дизайне:
- Красочная графика, возможно, в стиле комиксов
- Остроумные игривые подписи
- Яркие контрастные цвета, привлекающие внимание
В чем разница между поп-артом и нео-поп-артом
Поп-арт был дерзким подростком в мире искусства 50-х. Размещая на холсте предметы повседневного обихода, такие как банки супа, его представители бросали вызов правилам и высмеивали потребительство.
Нео-поп, его более утонченный собрат, появился в 80-х годах. Хотя он все еще использует отсылки к поп-культуре, он также углубляется в злободневные темы, такие как политика, социальные проблемы и технологии. Этот стиль черпает вдохновение из широкого круга источников, включая музыку, телевидение и кино.
Нео-поп — не просто игривый, он многослойный и зачастую отражает тревоги и сложности современности. Если поп-арт — это бунтующий подросток, то нео-поп — взрослый человек, анализирующий мир критическим взглядом.
Выдающиеся представители:
Минимализм (начало 1960-х)
Что такое минимализм
Минимализм — философия, основу которой составляют простота, ясность и идея оставить только самое необходимое. Для нее характерны четкие линии, обилие негативного пространства и ограниченная цветовая палитра.
Как развивался минимализм
Минимализм стал ответом на «максималистские» художественные направления: ар-деко, экспрессионизм, фовизм и т.д. Художники стремились создать более чистый, функциональный стиль. Минимализм приобрел популярность после Второй мировой войны и был ярко выражен в американском изобразительном искусстве 1960-х и начала 1970-х годов.
Что отличает его от других
Благодаря своей универсальности и адаптивности минимализм оказал большое влияние на дизайн (от дизайна интерьера до дизайна интерфейсов). Его принципы — простота, ясность, целенаправленность — хорошо подходят для цифровой среды.
Как его можно использовать
Минимализм — именно то, что нужно, если вы хотите сделать акцент на контенте. Это актуально для сайтов с большим количеством изображений, как Unsplash, или с большим количеством текста, как Medium.
Выдающиеся представители:
Лень vs минимализм
Минимализм — это круто, но чрезмерное увлечение этим стилем может завести нас слишком далеко. Здания, логотипы, даже скамейки начинают выглядеть одинаково, лишаются характера и деталей, которые делают их уникальными.
Такие объекты становятся пресными и маловыразительными. Представьте, если бы каждое здание выглядело как книжный шкаф из IKEA — наш мир был бы не слишком интересным, не так ли? Кроме того, подобный подход стирает культурную идентичность.
Подумайте, что делает английскую телефонную будку культовой? Не только форма, но и детали: красный цвет, решетка, мелкий декор. Всё это придает ей индивидуальность. Но чрезмерный минимализм отнимает эту индивидуальность, оставляя нас с кучей скучных невзрачных коробок.
Возможно, нам просто больше нечего сказать. Готические соборы и другие традиционные постройки полны смысла и символизма, а многие современные здания просто существуют. Они ничего не говорят, не вызывают никаких эмоций, они просто есть.
Заключение
И напоследок, вот несколько полезных советов:
1. Художественные стили
- Не ограничивайте себя: Погрузившись в разные стили, вы можете неожиданно найти потрясающие идеи.
- Изучите основные принципы каждого стиля, чтобы использовать их эффективно.
- Путешествуйте во времени: Узнайте, как развивался визуальный язык, и попытайтесь использовать эти знания в дизайне.
2. История искусства
- Замечайте повторяющиеся паттерны: Они могут вдохновить вас на интересные решения.
- Культура формирует искусство: Понимая культурные особенности, вы сможете создавать дизайн с глубоким смыслом.
- Учитесь у мастеров: Узнайте, как великие художники использовали визуальную коммуникацию для привлечения зрителей.
3. Искусство в интерфейсах
- Меньше значит больше: Важно не переусердствовать, достаточно деликатных художественных штрихов.
- Искусство должно улучшать, а не мешать: Убедитесь, что ваш дизайн остается удобным и ориентированным на пользователя.
- Абстрактное или буквальное? Экспериментируйте: Найдите идеальный баланс для решения ваших задач.
4. Баланс искусства и дизайна
- UX на первом месте: Художественные изыски не должны делать интерфейс запутанным или сложным.
- Последовательность — ключ к успеху: Поддерживайте целостную визуальную идентичность, допуская некоторые художественные вариации.
- Это путешествие, а не пункт назначения: Постоянно совершенствуйте дизайн, чтобы найти идеальный баланс между искусством и функциональностью.
- Спросите своих пользователей: Соберите обратную связь, чтобы понять, как они воспринимают и интерпретируют художественные элементы.
Удачи! ✌🏼
